domingo, 16 de diciembre de 2012

El Hobbit: un viaje ¿Inesperado?

 Ficha de filmaffinity.


TÍTULO ORIGINAL The Hobbit: An Unexpected Journey
AÑO 2012
DURACIÓN 169 min.
PAÍS
DIRECTOR Peter Jackson
GUIÓN Fran Walsh, Philippa Boyens, Peter Jackson, Guillermo del Toro (Novela: J.R.R. Tolkien)
MÚSICA Howard Shore
FOTOGRAFÍA Andrew Lesnie
REPARTO Martin Freeman, Ian McKellen, Richard Armitage, James Nesbitt, Aidan Turner, Graham McTavish, Jed Brophy, Stephen Hunter, Ken Stott, John Callen, Adam Brown, Dean O'Gorman, William Kircher, Peter Hambleton, Mark Hadlow, Hugo Weaving, Andy Serkis, Sylvester McCoy, Cate Blanchett, Christopher Lee, Elijah Wood, Ian Holm, Barry Humphries, Jeffrey Thomas, Lee Pace, Conan Stevens, Bret McKenzie, Manu Bennett
PRODUCTORA Co-producción USA-Nueva Zelanda; Warner Bros. Pictures / MGM / New Line Cinema / WingNut Films
WEB OFICIAL http://wwws.warnerbros.es/thehobbitpart1/index.html
PREMIOS 2012: Oscars: 3 nominaciones, incluyendo mejor dirección artística
2012: Premios BAFTA: 3 nominaciones, incluyendo mejores efectos especiales
2012: Critics Choice Awards: 4 nominaciones técnicas
GÉNERO Fantástico. Aventuras. Acción | Precuela. Espada y brujería. 3-D
SINOPSIS Precuela de la trilogía "El Señor de los Anillos", obra de J.R.R. Tolkien. En compañía del mago Gandalf y de trece enanos, el hobbit Bilbo Bolsón emprende un viaje a través del país de los elfos y los bosques de los trolls, desde las mazmorras de los orcos hasta la Montaña Solitaria, donde el dragón Smaug esconde el tesoro de los Enanos. Finalmente, en las profundidades de la Tierra, encuentra el Anillo Único, hipnótico objeto que será posteriormente causa de tantas sangrientas batallas en la Tierra Media. (FILMAFFINITY)


MI CRÍTICA:

Mi premonición fue acertada, 'El Hobbit' personalmente me parece inferior a la trilogía de 'El Señor de los Anillos'. La diferencia es que se torna menos sombría y más cómica, con diálogos más simples y personajes mucho menos carismáticos que algunos inolvidables de la trilogía, como los cuatro hobbits que dan inicio a "La comunidad del anillo". La razón de que en esta nueva saga los personajes sean menos complejos y por contra, la acción sea el verdadero protagonista, es porque en la misma novela, Tolkien la enfocó a un público infantil, contrario al de ESDLA.

En 'El Hobbit', Bilbo sale triunfante: un personaje lleno de simpatía, tan vívido y "hobbiteriano" fielmente trabajado. No sobran las características de su propia especie: huidor de los problemas, preconcebidamente temeroso, con buen gozo de la vida acomodaticia y sin buscar aventuras... Hasta que un día un mago se lo propone, dejar atrás una vida acomodada para exteriorizar y conocer el mundo que tanto en sus libros había leído. Una referencia hacia el presente en el que los videojuegos, internet o la tv son fuentes de recarga constante, casi inevitables para sobrevivir.

Los diálogos ya no cobran tanta relevancia pero la acción marcha a pasos gigantes, ligados a un nivel visual emocionante en el que los planos picados amplían su grandilocuencia como homenaje a los fans, ansiosos de rememorar lo que avistaron nueve años atrás. ¿Excesiva e innecesaria duración que da como resultado un espectáculo cansino? No lo creo. A pesar de que el abuso de cámara lenta en ciertas escenas le resta veracidad y belleza, toda la acción precipitada es tan aventurera como se pretendía. Porque de eso es de lo que nos habla 'El Hobbit', de correr una aventura en la que no parezca haber fin.

Peter Jackson ha querido homenajear el universo de Tolkien desde su punto de vista, un espectáculo para un público sediento de orcos, elfos, enanos y demás especies, sin prestarse a un público más juvenil para una historia de su talla. Añade nuevos personajes porque, como cita Gandalf al inicio de la película: "Toda gran historia merece estar adornada". Las comparaciones son odiosas y echar un reojo al pasado puede perjudicarnos la vista del presente. El aire forzado y levemente desgastado a aquella trilogía se enturbia para dar una -aunque justificada- menor grandilocuencia con una seriedad poco profunda. La aventura continuará el año que viene, "Lord of The Rings" es fantasía pasada.
¡ATENCIÓN, SPOILER!
Me sobran momentos cliché y previsibles que, lo dicho, refuerzan ese intento por homenajear a la clásica trilogía para dar un resultado a medio camino entre la efectividad y el plagio.

El final con Smaug abriendo el ojo, la escena de Thorin cuando abraza a Bilbo como agradecimiento, el protagonismo de Thorin con el orco, etc. Hay varias.

Tampoco acaba de convencerme su humor infantil y previsible. En ESDLA por lo contrario, era risueño e inteligente a la par que fluído y expontáneo. Sólo hace falta revisionar el inicio de "La comunidad del anillo" cuando se describen a los hobbits. Pero vamos, a falta de haberme leído la novela, no se le puede discutir demasiado, el resultado cumple con el objetivo de Jackson: no ser tan infantil que se reduzca al público más joven.

viernes, 7 de diciembre de 2012

Blancanieves: el Arte de la casualidad.


 Ficha de Filmaffinity.


TÍTULO ORIGINAL Blancanieves
AÑO 2012
DURACIÓN 104 min.
PAÍS
DIRECTOR Pablo Berger
GUIÓN Pablo Berger
MÚSICA Alfonso de Vilallonga
FOTOGRAFÍA Kiko de la Rica (B&W)
REPARTO Macarena García, Maribel Verdú, Sofía Oria, Daniel Giménez Cacho, Ángela Molina, Pere Ponce, Josep María Pou, Inma Cuesta, Ramón Barea, Emilio Gavira, Sergio Donado, Oriol Vila
PRODUCTORA Arcadia Motion Pictures
WEB OFICIAL http://www.blancanieves.es/
PREMIOS 2012: Premios Goya: 18 nominaciones, incluyendo Mejor película y director
2012: Festival de San Sebastián: Premio Esp. Jurado, Mejor Actriz (Macarena García)
2012: 4 Premios Gaudí: incluyendo mejor película lengua catalana y música
GÉNERO Drama | Cine mudo. Años 20. Melodrama
SINOPSIS Versión libre, de carácter gótico, del popular cuento de los hermanos Grimm, que ha sido ambientada en España durante los años 20. Blancanieves es Carmen, una bella joven con una infancia atormentada por su terrible madrastra Encarna. Huyendo de su pasado, Carmen emprenderá un apasionante viaje acompañada por sus nuevos amigos: una troupe de Enanos Toreros. (FILMAFFINITY)

MI CRÍTICA:

Este año hemos tenido empacho de una de las más populares princesas Disney, cada una con su estilo y reivindicación. La visión de Tarsem Singh iba enfocada como homenaje a la comedia spoof y al cine bollywoodiense y mientras tanto, Hollywood preparaba a una Kristen Stewart guerrera que nos contaba la historia sobre cómo un ciervo blanco que se coló por un bucle de 'La princesa Mononoke' la proclama como 'La elegida'.

Pablo Berger lleva una idea que tenía planteada ocho años atrás y que casualmente en estas fechas ha dado a luz. Cuenta con la España más patriota y tradicional de los años 20, narrando la historia de Carmencita: risueña, inocente y con sangre española, hija de un exprestigioso torero y de una difunta bailarina andaluza. Frente a ella está su madrastra: una mujer avariciosa, fría y ensimismada en su belleza. A partir de aquí, todos conocemos el cuento clásico. La madrastra mandaba asesinar a Blancanieves y ésta conseguía huir y formar una familia con siete enanitos. El fin de la madrastra era acabar con ella por la amenaza que le suponía su belleza. En la cinta de Berger, los bienes económicos reemplazan a la belleza."Te llamaremos Blancanieves, como la del cuento", dijo uno de los enanitos, recurriendo al realismo manipulado, una realidad transformada en cuento como fruto de la casualidad. Aún con los inverosímiles asesinatos sin consecuencias penales que logra la madrastra o la herencia que tan fácilmente consigue, todo sucede con realismo hasta llegar al tramo final, en donde la fantasía cobra existencia, con sentido o sin él ya es otro cantar y de objeto algo hueco a analizar.

Se ha reivindicado que la producción técnica es espléndida, posiblemente una de las más cuidadas que han habido en el cine español; el expresionismo simbolizado en el buen contraste del negro y el blanco así como en las exageradas miradas de cada actor. Planos bien encuadrados y una banda sonora efusiva en los momentos más declive. Pero 'Blancanieves' sólo contiene referencias patriotas conservadoras y por eso, la única manera de entender su tonalidad gótica es por exclusiva estética formal. No hay razón por la cual la historia no pudiera contarse con formato a color, más allá de revivir una época dorada. Además, los títulos intermediarios se sitúan en escenas en donde las palabras son innecesarias, bastaba con las expresiones.

Hay escenas forzadas que resultan sensibleras y se confunden con el concepto de 'expresionismo'. La cinta termina por resultar vacía en contenido que logre ser sugerente, sin haber valores, ideas o conceptos más allá de lo que implica el orgullo de ser español: una oda a la religión católica, a los bailes andaluces y al supuesto arte que conlleva torear. La moraleja sobre la inocencia frente a la vanidad ya fue retratada con mejor claridad metafórica en el clásico de Disney, aquí veo renovación pero no reinvención. Y mucho menos me parece que esté a la altura de 'The Artist', la exaltación nacionalista prima y ciega demasiado, que queréis que os diga.

Casualmente la peor valorada de las tres Blancanieves es la más inteligente, cómica e innovadora. Un olé por Tarsem Singh. 
La madrastra se casa con el torero por su dinero pero no se entiende la razón de que el hombre siga viviendo como rehén de ésta. Vale que está inválido pero hay formas de escabullirse (cartas, sirvientes, un día de caza...).

La madrastra asesina a su marido, desaparece su hijastra y la peor de todas, se carga a su ayudante con una figura de piedra. Luego lo tira a la piscina para fingir que se ahogó. Me parece inverosímil que con tales actos la policía no consiga la más mínima pista para encerrarla entre rejas.

El enanito al que Carmencita salva la vida en la plaza de torear, siente un gran odio hacia ella. Se puede entender por la humillación a la que se ha tenido que someter, pero nunca hay evolución ni profundización en su ética. Aunque tampoco hay demasiada evolución en el resto de los personajes a decir verdad.

Lo imposible: es todo menos cine y española.


Ficha de Filmaffinity.

TÍTULO ORIGINAL The Impossible
AÑO 2012
DURACIÓN 107 min.
PAÍS
DIRECTOR Juan Antonio Bayona
GUIÓN Sergio G. Sánchez
MÚSICA Fernando Velázquez
FOTOGRAFÍA Óscar Faura
REPARTO Naomi Watts, Ewan McGregor, Tom Holland, Geraldine Chaplin, Oaklee Pendergast, Samuel Joslin, Dominic Power, Sönke Möhring, Olivia Jackson, Natalie Lorence, Nicola Harrison, Bruce Blain, Johan Sundberg, Teo Quintavalle, Jan Roland Sundberg, Marta Etura
PRODUCTORA Apaches Entertainment / Telecinco Cinema / Mediaset España / Canal+ España / IVAC / ICAA
WEB OFICIAL http://www.loimposible-lapelicula.com/
PREMIOS 2012: Oscars: Nominada a mejor actriz (Naomi Watts)
2012: Globos de Oro: nominada a mejor actriz drama (Naomi Watts)
2012: Premios Goya: 14 nominaciones, incluyendo Mejor película y director
2012: Critics Choice Awards: Nominada a mejor actriz (Watts) e intérprete joven (Holland)
2012: National Board of Review (NBR): Mejor actor revelación (Tom Holland)
2012: 6 Premios Gaudí, incluyendo mejor director, fotografía y mejor película europea
GÉNERO Drama | Basado en hechos reales. Catástrofes. Familia. Supervivencia
SINOPSIS Diciembre del año 2004. María (Naomi Watts), Henry (Ewan McGregor) y sus tres hijos pequeños vuelan desde Japón a Tailandia para pasar sus vacaciones de Navidad descansando en la playa. Una mañana, mientras se encuentran todos en la piscina del complejo a orillas del mar, un tremendo tsunami destroza el hotel al mismo tiempo que gran parte de la costa del sudeste asiático. Las vidas de millones de personas cambiaron para siempre. Esta es la historia de esta familia... (FILMAFFINITY)

MI CRÍTICA:

'Lo imposible' es todo un 'Made in Hollywood' en crisis, partiendo de lo técnico a los actores. Que no me la intenten colar de española porque podría ser una producción de Spielberg con sus 'clásicos' planos irrelevantes, una dirección conmocionalmente inmeritoria a la par que artificial y unos personajes sacados de anuncios marca Baby Sebamed o cualquiera sobre colonias para un perfecto cuidado de piel. Usar una catástrofe, mucho más cruda en la realidad, con el fin de hacer caja y encoronarse con multitud de premios es exhaustivo por la cantidad de veces que se repite año tras año. Reitero en 'conmocionalmente inmeritoria', las escenas del tsunami provocan escalofríos, agobio y alguna lagrimilla que se le puede escapar a uno, pero aún con el buen resultado del sonido, no tiene mérito propio porque no es sugerente; plasma algo real sin transcribrlo, cualquiera se conmocionaría por grabar a un perro con tres patas, el éxito está asegurado, es lo llamado 'lágrima fácil'. Grabar una crudeza de tan escabrosa magnitud en formato spielbergiano me rechincha bastante: demasiada hipocresía en los primeros planos de los protagonistas, los del mar tailandés, las estrellas que albergan esperanza de vida por su luz resplandeciente o en contra, la plasticidad con la que se frecuenta la agonía a través del atardecer con palmeras atrofiadas. Veo demasiado color en un día que es gris.
Las palmeras son flexibles y por eso resisten a todo tipo de fuerzas naturales, se suele decir. 'Lo imposible' está tiesa y se ahoga por su realismo infectado de planos demasiado 'perfectos' estéticamente, limitados, inmóviles y con un puñado de escenas edulcoradas, poco recomendables para diabéticos y cerebritos apasionales. Todo se centra en una familia de alta sociedad, tópicos añadidos; rubios, guapos, de ojos azules y sin escatimar en sus vidas. Se enseña un ejemplo de tantos sin ahondar en él y resultando plástico.

Bayona debería habérselas ingeniado y no haber cogido a una familia estilizada de rubios con algún rasguño entre sus piernas que no paran de llorar. Mocos aguados por toda la sala y mí no comprender.
¡ATENCIÓN, SPOILER!
La madre la tenía que haber palmado, pero la película quiere ser dramática y a su vez dejar un buen final para complacer más a la gente. Vamos, que la libertad, sugerencia y expresividad que conlleva el arte de contar se es renunciado por la taquilla. El dinero vuelve a interponerse ante el cine y sale victorioso.

sábado, 29 de septiembre de 2012

Mirror Mirror: comedia blanca tarsermniana.



Ficha de Filmaffinity.
TÍTULO ORIGINAL Mirror, Mirror (The Brothers Grimm: Snow White)
AÑO 2012
DURACIÓN 106 min.
PAÍS
DIRECTOR Tarsem Singh
GUIÓN Melisa Wallack, Jason Keller (Cuento: Hermanos Grimm)
MÚSICA Alan Menken
FOTOGRAFÍA Brendan Galvin
REPARTO Lily Collins, Julia Roberts, Sean Bean, Armie Hammer, Nathan Lane, Michael Lerner, Mare Winningham, Mark Povinelli, Jordan Prentice, Danny Woodburn, Sebastian Saraceno, Ronald Lee Clark, Martin Klebba, Joey Gnoffo
PRODUCTORA Rat Entertainment / Relativity Media
WEB OFICIAL http://www.tripictures-spain.com/blancanieves
PREMIOS 2012: Oscars: nominada a mejor diseño de vestuario
GÉNERO Comedia. Fantástico. Romance | Comedia romántica
SINOPSIS Nueva versión en clave de comedia del cuento de Blancanieves, esta vez narrado desde el punto de vista de la malvada madastra. Siete valerosos y rebeldes enanitos ayudarán a Blancanieves a reclamar sus derechos al trono que le pertenece por nacimiento y a conquistar al Príncipe con el que pretende casarse la temible Reina. (FILMAFFINITY)

MI CRÍTICA:

'Mirror Mirror' parecía estar destinada a ser una de las peores comedias del año. Muy agradecidamente esta, desde ya infravalorada cinta, ha sido el resultado de un conjunto de gags absurdos y estrafalarios que se habrían quedado en un rotundo vacío si no fuera por la elegancia y creatividad a la hora de ponerlos en práctica. Tarsem Singh ha reinventado y avivado el género de la comedia spoof, un equilibrio entre el moderado guión de 'La princesa prometida' con el levemente grotesco de 'Shrek' (lejos queda de la sorpresa de Jackson que nos brindó con 'Braindead').

La película funciona sin altibajos, el problema reside en cómo entenderla y ahí es donde se trazan dos líneas entre los espectadores: los que apoyan su paródica y simbólica moraleja del clásico transformado y los que defienden críticamente la ñoñería infantil como única característica que aporta. Yo veo ese marco que rodea el largometraje en forma de parodia. La película es consciente tanto de sus limitaciones como (fiel) adaptación y de su humor absurdo y a simple vista, facilón. Al final todo resulta ser una sucesión de escenas risibles en donde las actuaciones de Roberts, Collins, Bean y demás, a medio camino entre la acidez y lo exagerado, logran con creces sustentarla.



Técnicamente tenemos un vestuario colorido y estrambótico, una dirección artística ambientada a modo de cuento infantil (exteriores hechos en cartón) y pese a no tener una BSO que destaque, el baile final no tiene pérdida de ojo. Todo un homenaje a los tópicos, a la comedia paródica, aires de sitcom y a Bollywood. Ahora toca esperar la llegada de sus otras dos rivales. Burton tiene sus recreaciones góticas, Singh estrena un estilo con una gran gama de colores cartón, tan vulgares y exclusivos como un vestido de Lady Gaga.

viernes, 28 de septiembre de 2012

Ted: nostalgia, maduración y autohomenaje.


Ficha de Filmaffinity.
TÍTULO ORIGINAL Ted
AÑO 2012
DURACIÓN 106 min.
PAÍS
DIRECTOR Seth MacFarlane
GUIÓN Seth MacFarlane, Alec Sulkin, Wellesley Wild
MÚSICA Walter Murphy
FOTOGRAFÍA Michael Barrett
REPARTO Mark Wahlberg, Mila Kunis, Seth MacFarlane, Giovanni Ribisi, Laura Vandervoort, Joel McHale, Patrick Warburton, Jessica Stroup, Sam J. Jones, Norah Jones
PRODUCTORA Universal Pictures / Media Rights Capital
WEB OFICIAL http://www.tedesreal.es
PREMIOS 2012: Oscars: Nominada a mejor canción original (Murphy, MacFarlane)
2012: Critics Choice Awards: 3 nominaciones, incluyendo mejor comedia
GÉNERO Comedia. Fantástico | Comedia negra. Comedia romántica
SINOPSIS Cuando John Bennett (Mark Wahlberg) era pequeño, deseaba que su osito de peluche Ted fuera un oso de verdad y, por desgracia, su sueño se hizo realidad. Más de veinte años después, Ted sigue con John y saca de quicio a su novia Lori, que empieza a perder la paciencia. Para colmo, a John no parece preocuparle su futuro profesional y se pasa la vida fumando porros con Ted. A pesar de ello, John intenta alcanzar la madurez, pero parece que para conseguirlo le resulta indispensable la ayuda de Ted. (FILMAFFINITY)


MI CRÍTICA:
 
Consciente de sus clichés y filmada con un vacío de exploración técnica, 'Ted' ha reclamado su lugar entre las mejores comedias de este año.
MacFarlane ha conseguido un buen resultado con el proceso de plasmación de sus personajes animados de "Padre de familia" a otros reales y no muy diferentes aquí, evidenciándose la imposibilidad de crecimiento de esos personajes animados en contraste con los reales y situando a Ted en medio de estos dos mundos.

Es todo un conjunto risorio de gags ingeniosos con clichés harto previsibles que se enfocan en el más puro anhelo del espectador adulto: la inocencia y el recuerdo. La emoción que uno sentiría en el estreno de "La guerra de las galaxias. Episodio IV: Una nueva esperanza" o las lágrimas incesantes que antaño provocó 'E.T., el extraterrestre', parecieron terminadas aún con Hollywood intentando revivirlos en estos dos últimos años mediante remakes, homenajes o vueltas a formatos clásicos, aunque por suerte o pena para mí, yo soy de los años noventa por lo que el concepto no se respalda tanto en mí.

La cinta refleja su verdadera idea en la nostalgia del espectador, con referencias a cintas ochenteras o la propia imagen del oso que parlotea chistes grotescos y facilones. En el pasado reside el futuro y en la maduración la nostalgia, siendo aquí donde se afinca mi enorme interés hacia Ted.

Se nos muestra a un chico que pidió el deseo de hacer vivo a su oso de peluche y por arte de un milagro, se le concedió, al tiempo que su maduración quedaba inmóvil. De esta manera, surge el conflicto de la responsabilidad del chico una vez es mayor y es que uno no debe anclarse al pasado o descarriarse en la nostalgia, pero tampoco darlo por abandonado. Es el equilibrio lo que nos hace mejor persona, la línea trazada entre la maduración y la pesadumbre.

'Ted' es una de las mejores comedias que seguramente habrá este año, sus tópicos o escenas ridículas le son perdonadas porque son conscientes de ellas y sólo tienen la función de transmitir el sincero mensaje que el director parece resaltar. Lejos de esto, el argumento es simple y se ve venir a leguas lo que va a ocurrir, pero repito que es un recurso utilizado eficazmente.

Erin Brockovich: conceptos desvalorizados y fines inacabados.




Ficha de Filmaffinity.

TÍTULO ORIGINAL Erin Brockovich
AÑO 2000
DURACIÓN 131 min.
PAÍS
DIRECTOR Steven Soderbergh
GUIÓN Susannah Grant
MÚSICA Thomas Newman
FOTOGRAFÍA Edward Lachman (AKA Ed Lachman)
REPARTO Julia Roberts, Albert Finney, Aaron Eckhart, Peter Coyote, Marg Helgenberger, Cherry Jones, Scott Leavenworth, T.J. Thyne
PRODUCTORA Columbia Pictures / Universal Pictures / Jersey Films Production
PREMIOS 2000: Oscar: Mejor actriz (Julia Roberts). 5 nominaciones
2000: Globos de Oro: Mejor actriz (Julia Roberts). 4 nominaciones
2000: Premios BAFTA: Mejor actriz (Julia Roberts). 6 nominaciones
2000: 2 premios National Board of Review: Mejor actriz, director (Steven Soderberg)
2000: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor director y actriz (Roberts)
2000: Círculo de críticos de Nueva York: Mejor director (Steven Soderbergh)
2000: American Film Institute (AFI): Top 10 - Mejores películas del año
2000: 2 Critics' Choice Awards: Mejor actriz (Roberts), director. Top 10 - Películas del año
GÉNERO Drama | Basado en hechos reales
SINOPSIS Erin Brockovich es una madre soltera que consigue un puesto de trabajo en un pequeño despacho de abogados. Su personalidad poco convencional hará que sus comienzos no sean demasiado alentadores, pero todo cambiará cuando decida investigar el extraño caso de unos clientes que padecen una sospechosa enfermedad. (FILMAFFINITY)

MI CRÍTICA:

'Erin Brockovich' es la historia de como una mujer "cualquiera" consiguió destapar los avariciosos fines de una corporación que causó graves heridas a más de seiscientas personas de un pueblo por la contaminación del agua con un cromos cancerígeno. Basada en hechos reales, tiene formato de telefilm y está vacía en innovación técnica.

Muchas críticas negativas comentan lo repelente que es su protagonista. Erin es una mujer físicamente atractiva, ganadora de un premio de belleza pero sin ningún tipo de estudios. Impulsiva, manipuladora y con una considerable falta de educación hacia con los que se siente agredida, fuera de la pantalla y por lo que me he informado de la mujer, ésta es igual entonces no se puede juzgar en este ámbito. Además, a pesar de no haber evolución y profundización en su personaje, Julia conisgue una actuación bastante decente.

Se sustenta en una historia bien contada narrativamente, resultado de su evasión a sonar azucarada o tópica, aunque en más de tres ocasiones se impulse a ellos. Una de las ideas centrales puede ser el empeño y esfuerzo en tu trabajo, sin intimidación y con independencia a lo que unos duden de tu capacidad, como forma de obtener el éxito (habiendo de analizar lo que el film entiende de este), pero se nubla con otras más superficiales e inconclusas que se enlazan con la contraevolución que presenta el personaje de Brockovich.


Al inicio de la película, nos situamos ante una mujer desempleada, con la necesidad urgente de un trabajo para conseguir lo que se consideraría su primer y más importante objetivo, que es el bienestar de sus tres hijos. Justo cuando consigue el trabajo, este objetivo pasa a un segundo plano y Erin ya no tiene tiempo para su familia, dedicándose plenamente en lo que refiere a su trabajo de investigación. Este segundo fin congela y deja inconcluso al primero. Se nos presenta el problema familiar pero no se desarrolla y mucho menos se llega a una conclusión. La primacía del trabajo ante la familia, así como el ceder del último sobre el primero, se plasman como otro concepto esencial del film. El dinero es una idea casi omnipresente, aquel que da la felicidad incluso por encima de lo considerado justo. Por si fuera poco, una mujer de escasa formalidad, desorganizada, sin estudios y que primordialmente manipula por su atractivo físico, se hace millonaria. Puede que el esfuerzo rompa barreras y que la mujer aprenda tan rápido como menciona, pero los estudios nutren nuestra cabeza y nos dotan de sabiduría, algo a lo que la película no se digna a incidir y se limita a mostrar escenas inverosímiles como la memorización de los 634 números de teléfonos mas sus vidas incluídas. El resto de los personajes llegan a ser innecesarios y mayoritariamente planos.


Priman muchas irregularidades como conceptos desvalorizados y objetivos que rozan el materialismo. Valores como la educación, los estudios o la familia, decidme qué lugar de relevancia ocupan frente al dinero, la belleza, las apariencias y el trabajo. Se convierte en una cinta casi inservible a nivel moral e intelectual, tal cual cine de luto, entendiendose este como arte frustrado de querer y necesitar contar Algo, independientemente de si está basado en hechos reales. Esta se limita a contar un hecho real sin enseñar o mostrar y sin plantear una reflexión más allá de sus planas ideas.

¡ATENCIÓN, SPOILER!
Al final de la película (que no de la vida real)  Erin consigue el material necesario para ganar el caso de la corporación. No obstante, se mencionó que si se iban a juicio era posible que el juez decidiera y el resto no tuvieran ni jurado para defenderse. Así, ¿podría ser que al final lo que deciden es sobornar a la corporación y conseguir su tajada de dinero a cambio del silencio? ¿Posible concepto sobre la gran relevancia de lo que hace el dinero?

Castaway On The Moon: ética y moral de una sociedad occidentalizada



TÍTULO ORIGINALKim-ssi-pyo-ryoo-gi (Kimssi pyoryugi) (Kim's Island)
AÑO2009
DURACIÓN116 min.
PAÍS
DIRECTORLee Hae-Joon (AKA Lee Hae-Jun)
GUIÓNLee Hae-Joon (AKA Lee Hae-Jun)
MÚSICAKim Hong-Jip
FOTOGRAFÍAKim Byung-seo
REPARTOJeong Jae-Yeong, Jeong Ryeo-Won, Park Yeong-Seo
PRODUCTORABanzak-banzak Film Production
GÉNERODrama. Aventuras | Drama romántico
SINOPSISNarra la historia de un hombre que se queda atrapado en una isla desde la cual se puede ver la metrópoli, pero no alcanzarla. La historia comienza cuando un ejecutivo se lanza al río Han para suicidarse... e inesperadamente despierta en una isla desierta, a mitad del río, donde vive apartado de la civilización. Una joven, recluida en su habitación por años, lo observa de lejos... Los destructivos efectos de la recesión económica mundial y la alienación urbana sirven como contexto a la historia de amor que narra este segundo largometraje del coreano Hae-jun Lee. (FILMAFFINITY)
MI CRÍTICA:

'Castaway On The Moon' es posiblemente todo lo que la cinta polaca, 'Suicide Room', quiso ser y no pudo. La diferencia está en que la última plantea un problema y se autocomplace en él con un resultado amargo a la vez que pretencioso y sin ser sugerente. Esta va un poco más allá y critica el mundo capitalista como represor de personas.


El protagonista es una víctima del Estado que lo impulsa al suicidio, pero todo cambia cuando no lo consigue. Se le ocurre la loca idea de adaptar su vida a él, contrario a lo establecido. A partir de ahí, el hombre es libre, ausente de todo aquello que lo ahogaba; desde las preocupaciones materialistas hasta sus conflictos internos con personas allegadas, pero no en cuanto a soledad se refiere, y la locura acaba por invadirlo (apreciándose la idea del hombre como ser sociable por naturaleza). En cuanto a la protagonista, una hikikimori de aguda inseguridad, ve el mundo como algo externo y desconocido, demasiado lleno de ruido. Tienen en común su inadaptación y soledad, más nunca se profundiza en las razones que la llevaron a ella a ser de tal manera, posiblemente por violencia doméstica si nos fijamos en su herida facial y las horas en las que se levanta para no coincidir con su padre.

El problema principal que veo en la cinta es que te deja un sabor a ya visto. Dos inadaptados, especiales e incomprendidos por el resto que se bastan de ellos mismos para ser supuestamente felices. Hay varias escenas que resultan pretenciosas por lo edulcoradas que están, muy usual en el cine asiático: imágenes a cámara lenta para sensibilizar al espectador y aparentemente mostrar simbolismos para reflexionar cuando no hay más que una bella estética exclusivamente pseudoconceptual. También denota influencias de películas "made-to-win-Oscar" con ese forzado final que no viene tanto al caso con lo que se suponía, era la esencia de la película: El fin no es que los protagonistas se conozcan sino que se liberen y es aquí donde podemos captar su tono agridulce, entre el pesimismo y la esperanza.

Mismamente reconozco sus méritos. Apenas muestra diálogos y las expresiones están bien caracterizadas con actores destacables. La banda sonora parece el Vol. II sin orquesta y riqueza instrumental del Yann Tiersen de Amélie, pero es más sencilla y se ha adaptado bien conforme a determinadas escenas. La fotografía es cálida y transmite un aire optimista a una historia muchas veces narrada, que aún con esto, puede presumir de no ser autodepresiva en cuanto a lo que critica.



Tenemos como conclusión la idea de tener que adaptarnos para sobrevivir. El capitalismo como poder inabarcable, si bien nos queda la compañía de alguien que nos comprende y nos valora. La esperanza se despoja ahí (junto a la sumisión), aunque otros se sustenten en el socialismo, las religiones o en el mismo Gobierno. El resultado podría haber sido más aún que aceptable si hubiera potenciado su profundidad en valores centrándose más en el qué y no tanto en el cómo.