Vincent: "Y mi alma... no se alzará... nunca más"

Vincent (1982) Tim Burton

Mi valoración:

«Y mi alma, de esa sombra que allí flota fantasmal, no se alzará… nunca más.»   No tengo ni quiero tener muchas palabras para describir toda la magnitud y fuerza que poseé este cortometraje. Burton es uno de esos minigenios no tan bien reconocidos y condenados a la perpetuidad de su recuerdo con películas como "Pesadilla antes de navidad", "Ed Wood" o "La novia cadáver". Sentó las bases de un estilo en el que esclarecer sus mayores obsesiones, el director, guionista y productor que nos hizo saber que el terror tiene múltiples caras y que la fealdad es un concepto precipitado y estereotipado. "Vincent" fue uno de los primeros (y mayores) trabajos suyos: formuló el stop-motion gótico, con planos y metáforas estéticas a través de recorridos, sombras, escaleras o ese simbólico inicio con un gato negro en un muro que nos adentra a la casa de Vincent Malloy: un niño de 7 años frustrado por la obsesión de ser como su actor e ídolo, Vincent Price. En apenas 6 minutos y a modo de poemario, se recita el reflejo del actor con un importante homenaje a Edgar Allan Poe y una técnica que se enriquece por anclarse en el expresionismo de los años 20, los inicios del cine mudo terrorífico ("Nosferatu") o el vanguardismo mediante puestas en escena deformadas que afloraron con "El gabiente del doctor Caligari". Fusionando el surrealismo con el delirio y el humor negro de mejor calidad, Burton estrenó sus fuertes inquietudes (y delirios majetes) como un poema gótico y tragicómico que reivindicaba el terror en su formalidad. Y Vincent, parafraseando la frase inicial... no volvería a ser el mismo.

Paperman: amor, casualidades y clichés reinventados.

TÍTULO ORIGINAL	Paperman
AÑO	2012
DURACIÓN	7 min.
PAÍS
DIRECTOR	John Kahrs
GUIÓN	Clio Chiang, Kendelle Hoyer
MÚSICA	Christophe Beck
FOTOGRAFÍA	Animation (B&W)
REPARTO	Animation
PRODUCTORA	Walt Disney Pictures
PREMIOS	2012: Oscar: Nominado a Mejor cortometraje de animación 2012: Premios Annie: Mejor cortometraje
GÉNERO	Animación. Romance. Fantástico | Años 40. Cortometraje.
SINOPSIS	La acción nos sitúa en el Nueva York de mediados del siglo XX. Un hombre se cruza con la chica de sus sueños, pero la pierde de vista y la cree perdida para siempre. Hasta que, desde la ventana de su oficina, ve que trabaja en el rascacielos de enfrente. Utilizando la imaginación y unos papeles, intentará conquistarla. "Paperman" acompaña a la película de Disney "Rompe Ralph" en su estreno en cines. (FILMAFFINITY)

MI CRÍTICA:

El tema sobre dos oficinistas que encuentran el amor a través de lo monótono y cotidiano o en entornos grises, no abarca mayor novedad en tiempos en donde el cine indie ha estado cobrando relevancia con resultados como '(500) Days of Summer', 'High Fidelity' o 'Before Sunset'.

Algunos han dicho que es inverosímil. Les pregunto yo a estos si de verdad creyeron que Disney pretendía verosimilitud en una historia sobre aviones de papel que se encuentran en un mismo callejón sin salida para iniciar la búsqueda de un protagonista destinado a amar.

'Paperman' se recrea en un cliché de referencias sobre películas románticas, pero se reinventa con lo abstracto y los objetos metafóricos. Viene a ser una vuelta de tuerca a la típica utopía sobre "la búsqueda del amor". El amor no se busca -nos dice el corto- llega, siendo él el que nos encuentra. Objetos como los aviones que no llegan a su destino salvo por ellos mismos, el beso carmín en un papel de oficina, los trenes como simbolismo de tiempo, vías cruzadas que llegan a una misma estación, el disparatado tráfico de coches para evidenciar los años 50 en donde el capitalismo comenzó a tener su boom o la técnica en blanco y negro para forzar la idea degradante de estar en el mundo para trabajar con papeles que jamás se esfumarán de tu escritorio, enriquecen el tópico del género para hablarnos en seis minutos sobre un 'paperman': un hombre 'de papel' atrapado por el amor. ¿Casualidades, destino? El amor no es algo que se pueda controlar, quizás.

Los miserables: el miserable musical

TÍTULO ORIGINAL	Les Misérables
AÑO	2012
DURACIÓN	152 min.
PAÍS
DIRECTOR	Tom Hooper
GUIÓN	William Nicholson (Drama: Victor Hugo)
MÚSICA	Claude-Michel Schönberg
FOTOGRAFÍA	Danny Cohen
REPARTO	Hugh Jackman, Russell Crowe, Anne Hathaway, Amanda Seyfried, Eddie Redmayne, Samantha Barks, Helena Bonham Carter, Sacha Baron Cohen, Aaron Tveit, Isabelle Allen, Daniel Huttlestone, Colm Wilkinson, Natalya Wallace, Michael Jibson, Bertie Carvel, Tim Downie, Marc Pickering, Patrick Godfrey, Killian Donnelly, Fra Fee, Gabriel Vick, George Blagden, Alistair Brammer, Charlotte Hope
PRODUCTORA	Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; Universal Pictures / Working Title
WEB OFICIAL	http://www.lesmiserablesfilm.com
PREMIOS	2012: Oscar: 8 nominaciones, incluyendo Mejor película y actor (Jackman) 2012: Globos de Oro: Mejor película musical, actor (Jackman), actriz sec. (Anne). 4 nomin. 2012: Premios BAFTA: 9 nominaciones, incluyendo Mejor película y actor 2012: Critics Choice Awards: Mejor actriz secundaria (Hathaway). 11 nominaciones 2012: Satellite Awards: 3 premios, incluy. actriz de reparto (Hathaway). 10 nom. 2012: National Board of Review (NBR): 10 mejores films y Mejor reparto 2012: Asociación de Críticos de Los Angeles: 2ª posición en mejor actriz sec. (Hathaway) 2012: American Film Institute: Top 10 - Mejores películas del año 2012: Directors Guild of America (DGA): Nominada a Mejor director
GÉNERO	Musical. Drama | Drama de época. Pobreza. Siglo XIX
SINOPSIS	El expresidiario Jean Valjean (Hugh Jackman) es perseguido durante décadas por el despiadado policía Javert (Russell Crowe). Cuando Valjean decide hacerse cargo de Cosette, la pequeña hija de Fantine (Anne Hathaway), sus vidas cambiarán para siempre. Adaptación cinematográfica del famoso musical 'Les miserables', basado a su vez en la novela homónima de Victor Hugo. (FILMAFFINITY)

MI CRÍTICA:

Vale, que sí, el cambio colectivo (en un contexto revolucionario) sólo puede procesarse a través del individual...

Vale, que sí, de la degradación moral no se libra clase alguna social...

Vale, que sí, la justicia y la ley son inconexos y a veces adversarios...

Vale, que sí, los guiños a 'Sweeney Todd' con el musical de Bonham Carter y el pícaro de Baron Cohen son la única coreografía 'real' que hay de las 30726268292929202002239 canciones que parecen haber. ¿20 en la BSO, en serio no eran más? O.O

Vale a todo eso, pero... ¿Es esto una película musical o un musical inmovilizado en una cámara con abuso de primerísimos planos y una omnipresente firma en todo su denso metraje de 'Hurra la República Independiente'? Tom Hooper vuelve este año más codicioso que nunca por los Óscars. Y lo logrará. A sabiendas de que bajo esa existencia llamada 'conciencia' yacerán remordimientos de un proyecto que no ha estado a la altura del anterior -con merecido reconocimiento- que había hecho. Ese que hablaba de discursos tartamudos... del triunfo personal en tiempos adversos y de la humanización monárquica en un Rey que no pretendía ser héroe.

En fin, el resumen es que pagué por ver una película y no un musical de planos detalle en donde se le vean los mocos a Anne Hathaway.

Frankenweenie: El gran secreto del cine

TÍTULO ORIGINAL	Frankenweenie
AÑO	Ver trailer externo 2012
DURACIÓN	Trailers/Vídeos 87 min.
PAÍS	Sección visual
DIRECTOR	Tim Burton
GUIÓN	John August (Historia: Tim Burton, Leonard Ripps)
MÚSICA	Danny Elfman
FOTOGRAFÍA	Peter Sorg (B&W)
REPARTO	Animation
PRODUCTORA	Walt Disney Pictures / Tim Burton Animation Co. / Tim Burton Productions
WEB OFICIAL	http://disney.go.com/frankenweenie/
PREMIOS	2012: Oscar: Nominada a Mejor película de animación 2012: Premios BAFTA: Nominada a mejor película de animación 2012: Critics Choice Awards: Nominada a Mejor película de animación 2012: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película de animación 2012: Premios Annie: 5 nominaciones, incluyendo mejor película 2012: Globos de Oro: Nominada a Mejor película de animación 2012: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor película de animación 2012: Asociación de Boston: Mejor película de animación 2012: Satellite Awards: Nominado a Mejor largometraje de animación
GÉNERO	Animación. Ciencia ficción. Comedia. Terror | Comedia de terror. Stop Motion. Perros/Lobos. Monstruos. Remake
SINOPSIS	Película basada en el cortometraje homónimo que el propio Burton realizó en 1984. El experimento científico que lleva a cabo el pequeño Victor para hacer resucitar su adorado perro Sparky, lo obligará a afrontar terribles situaciones cuyas consecuencias son imprevisibles. (FILMAFFINITY)

 MI CRÍTICA:

-Estaba haciendo mi proyecto y la primera vez salió perfecto, pero la segunda, no. Funcionó un poco, pero luego, no. Y no sé por qué.

-Quizás no lo entendiste la primera vez. La gente cree que la ciencia está aquí (señala al cerebro) pero también está aquí (señala al corazón). ¿La primera vez te entusiasmó tu proyecto?

-Sí

-¿Y la segunda vez?

-No, sólo quería acabarlo.

-Entonces, cambiaste las variables.

Tim Burton "escapa" de esa tumba llamada Disney para traernos una cinta que homenajea los inicios del cine fantástico con multitud de referencias: Drácula, Godzilla, el propio Vincent Price encarnado en el profesor 'loco', la brillante escena en donde se referencia el corto "Bambi Meets Godzilla" o el plano en el que sale una tumba de una gata con las palabras "Goodbye Kitty" (el gag es evidente).

Pero "Frankenweenie" no es un mero sinfín de referencias culturales a los orígenes del cine. Burton da rienda a una muestra personal de su forma de sentir el cine y hacerlo propio, y esa conversación inicial es la clave de ella, el secreto del buen cine: en todo experimento, la variable del corazón nunca puede faltar. El uso del concepto de la electricidad como forma de dar 'vida' a lo que uno recrea o reinventa. [SPOILER]La película inicia con Victor haciendo su propia cinta de monstruos que se convertirá en realidad llegados al clímax final[FIN SPOILER] y así mismo, se nos revela la vida de Tim en su trabajo: Hollywood es representada en las letras de New Holland, un terreno en donde sus experiencias como cineasta dieron su fruto. Vemos una obra que en tiempos pasados causó su despido y ahora es vanagloriado por los mismos que lo tacharon de 'extrañas ideas que aterrorizan a padres y ensucian la mente de sus niños', el cortometraje que honoraba al clásico Frankenstein transfigurado en un largometraje más enriquecido que destila belleza imaginativa, sentida e inteligente...

Las tumbas preparadas eran para las futuras cintas de un director flojo en sus últimos proyectos y nosotros el verdugo que las construyó. Burton parecía casi un cadáver hasta que, este año, por arte de electricidad, resucitó para volver a un cine que es vida en su mejor estado.

SPOILER:

Por ahí leí que no acababa de gustar al dar un punto esperanzador y menos realista a la resucitación constante, perdiéndose el mensaje sobre el no retorno hacia la muerte natural. La película jamás se sustentó sobre bases realistas y tampoco tenía el interés de jugar con las leyes de la muerte y la vida, aunque sean constantes en el cine de Burton. Lo que hace es recrear una realidad alternativa: Tim Burton es Victor, la electricidad su pasión por el cine/experimento que crea/reinventa y el perro su proyecto deseado. De esta forma, Burton/Victor siempre podrá revivir su perro/película/experimento científico si es con electricidad/amor por lo que hace (junto al intelecto/conocimiento científico).

Aquel que concibe mediante plagio o apatía, crea un monstruo cinematográfico que deseará destruir después (y sino él, nosotros al menos).

El Hobbit: un viaje ¿Inesperado?

 Ficha de filmaffinity.

TÍTULO ORIGINAL	The Hobbit: An Unexpected Journey
AÑO	Ver trailer externo 2012
DURACIÓN	Trailers/Vídeos 169 min.
PAÍS	Sección visual
DIRECTOR	Peter Jackson
GUIÓN	Fran Walsh, Philippa Boyens, Peter Jackson, Guillermo del Toro (Novela: J.R.R. Tolkien)
MÚSICA	Howard Shore
FOTOGRAFÍA	Andrew Lesnie
REPARTO	Martin Freeman, Ian McKellen, Richard Armitage, James Nesbitt, Aidan Turner, Graham McTavish, Jed Brophy, Stephen Hunter, Ken Stott, John Callen, Adam Brown, Dean O'Gorman, William Kircher, Peter Hambleton, Mark Hadlow, Hugo Weaving, Andy Serkis, Sylvester McCoy, Cate Blanchett, Christopher Lee, Elijah Wood, Ian Holm, Barry Humphries, Jeffrey Thomas, Lee Pace, Conan Stevens, Bret McKenzie, Manu Bennett
PRODUCTORA	Co-producción USA-Nueva Zelanda; Warner Bros. Pictures / MGM / New Line Cinema / WingNut Films
WEB OFICIAL	http://wwws.warnerbros.es/thehobbitpart1/index.html
PREMIOS	2012: Oscars: 3 nominaciones, incluyendo mejor dirección artística 2012: Premios BAFTA: 3 nominaciones, incluyendo mejores efectos especiales 2012: Critics Choice Awards: 4 nominaciones técnicas
GÉNERO	Fantástico. Aventuras. Acción | Precuela. Espada y brujería. 3-D
SINOPSIS	Precuela de la trilogía "El Señor de los Anillos", obra de J.R.R. Tolkien. En compañía del mago Gandalf y de trece enanos, el hobbit Bilbo Bolsón emprende un viaje a través del país de los elfos y los bosques de los trolls, desde las mazmorras de los orcos hasta la Montaña Solitaria, donde el dragón Smaug esconde el tesoro de los Enanos. Finalmente, en las profundidades de la Tierra, encuentra el Anillo Único, hipnótico objeto que será posteriormente causa de tantas sangrientas batallas en la Tierra Media. (FILMAFFINITY)

MI CRÍTICA:

Mi premonición fue acertada, 'El Hobbit' personalmente me parece inferior a la trilogía de 'El Señor de los Anillos'. La diferencia es que se torna menos sombría y más cómica, con diálogos más simples y personajes mucho menos carismáticos que algunos inolvidables de la trilogía, como los cuatro hobbits que dan inicio a "La comunidad del anillo". La razón de que en esta nueva saga los personajes sean menos complejos y por contra, la acción sea el verdadero protagonista, es porque en la misma novela, Tolkien la enfocó a un público infantil, contrario al de ESDLA.

En 'El Hobbit', Bilbo sale triunfante: un personaje lleno de simpatía, tan vívido y "hobbiteriano" fielmente trabajado. No sobran las características de su propia especie: huidor de los problemas, preconcebidamente temeroso, con buen gozo de la vida acomodaticia y sin buscar aventuras... Hasta que un día un mago se lo propone, dejar atrás una vida acomodada para exteriorizar y conocer el mundo que tanto en sus libros había leído. Una referencia hacia el presente en el que los videojuegos, internet o la tv son fuentes de recarga constante, casi inevitables para sobrevivir.

Los diálogos ya no cobran tanta relevancia pero la acción marcha a pasos gigantes, ligados a un nivel visual emocionante en el que los planos picados amplían su grandilocuencia como homenaje a los fans, ansiosos de rememorar lo que avistaron nueve años atrás. ¿Excesiva e innecesaria duración que da como resultado un espectáculo cansino? No lo creo. A pesar de que el abuso de cámara lenta en ciertas escenas le resta veracidad y belleza, toda la acción precipitada es tan aventurera como se pretendía. Porque de eso es de lo que nos habla 'El Hobbit', de correr una aventura en la que no parezca haber fin.

Peter Jackson ha querido homenajear el universo de Tolkien desde su punto de vista, un espectáculo para un público sediento de orcos, elfos, enanos y demás especies, sin prestarse a un público más juvenil para una historia de su talla. Añade nuevos personajes porque, como cita Gandalf al inicio de la película: "Toda gran historia merece estar adornada". Las comparaciones son odiosas y echar un reojo al pasado puede perjudicarnos la vista del presente. El aire forzado y levemente desgastado a aquella trilogía se enturbia para dar una -aunque justificada- menor grandilocuencia con una seriedad poco profunda. La aventura continuará el año que viene, "Lord of The Rings" es fantasía pasada.

¡ATENCIÓN, SPOILER!

Me sobran momentos cliché y previsibles que, lo dicho, refuerzan ese intento por homenajear a la clásica trilogía para dar un resultado a medio camino entre la efectividad y el plagio.

El final con Smaug abriendo el ojo, la escena de Thorin cuando abraza a Bilbo como agradecimiento, el protagonismo de Thorin con el orco, etc. Hay varias.

Tampoco acaba de convencerme su humor infantil y previsible. En ESDLA por lo contrario, era risueño e inteligente a la par que fluído y expontáneo. Sólo hace falta revisionar el inicio de "La comunidad del anillo" cuando se describen a los hobbits. Pero vamos, a falta de haberme leído la novela, no se le puede discutir demasiado, el resultado cumple con el objetivo de Jackson: no ser tan infantil que se reduzca al público más joven.

Blancanieves: el Arte de la casualidad.

 Ficha de Filmaffinity.

TÍTULO ORIGINAL	Blancanieves
AÑO	Ver trailer externo 2012
DURACIÓN	Trailers/Vídeos 104 min.
PAÍS	Sección visual
DIRECTOR	Pablo Berger
GUIÓN	Pablo Berger
MÚSICA	Alfonso de Vilallonga
FOTOGRAFÍA	Kiko de la Rica (B&W)
REPARTO	Macarena García, Maribel Verdú, Sofía Oria, Daniel Giménez Cacho, Ángela Molina, Pere Ponce, Josep María Pou, Inma Cuesta, Ramón Barea, Emilio Gavira, Sergio Donado, Oriol Vila
PRODUCTORA	Arcadia Motion Pictures
WEB OFICIAL	http://www.blancanieves.es/
PREMIOS	2012: Premios Goya: 18 nominaciones, incluyendo Mejor película y director 2012: Festival de San Sebastián: Premio Esp. Jurado, Mejor Actriz (Macarena García) 2012: 4 Premios Gaudí: incluyendo mejor película lengua catalana y música
GÉNERO	Drama | Cine mudo. Años 20. Melodrama
SINOPSIS	Versión libre, de carácter gótico, del popular cuento de los hermanos Grimm, que ha sido ambientada en España durante los años 20. Blancanieves es Carmen, una bella joven con una infancia atormentada por su terrible madrastra Encarna. Huyendo de su pasado, Carmen emprenderá un apasionante viaje acompañada por sus nuevos amigos: una troupe de Enanos Toreros. (FILMAFFINITY)

MI CRÍTICA:

Este año hemos tenido empacho de una de las más populares princesas Disney, cada una con su estilo y reivindicación. La visión de Tarsem Singh iba enfocada como homenaje a la comedia spoof y al cine bollywoodiense y mientras tanto, Hollywood preparaba a una Kristen Stewart guerrera que nos contaba la historia sobre cómo un ciervo blanco que se coló por un bucle de 'La princesa Mononoke' la proclama como 'La elegida'.

Pablo Berger lleva una idea que tenía planteada ocho años atrás y que casualmente en estas fechas ha dado a luz. Cuenta con la España más patriota y tradicional de los años 20, narrando la historia de Carmencita: risueña, inocente y con sangre española, hija de un exprestigioso torero y de una difunta bailarina andaluza. Frente a ella está su madrastra: una mujer avariciosa, fría y ensimismada en su belleza. A partir de aquí, todos conocemos el cuento clásico. La madrastra mandaba asesinar a Blancanieves y ésta conseguía huir y formar una familia con siete enanitos. El fin de la madrastra era acabar con ella por la amenaza que le suponía su belleza. En la cinta de Berger, los bienes económicos reemplazan a la belleza."Te llamaremos Blancanieves, como la del cuento", dijo uno de los enanitos, recurriendo al realismo manipulado, una realidad transformada en cuento como fruto de la casualidad. Aún con los inverosímiles asesinatos sin consecuencias penales que logra la madrastra o la herencia que tan fácilmente consigue, todo sucede con realismo hasta llegar al tramo final, en donde la fantasía cobra existencia, con sentido o sin él ya es otro cantar y de objeto algo hueco a analizar.

Se ha reivindicado que la producción técnica es espléndida, posiblemente una de las más cuidadas que han habido en el cine español; el expresionismo simbolizado en el buen contraste del negro y el blanco así como en las exageradas miradas de cada actor. Planos bien encuadrados y una banda sonora efusiva en los momentos más declive. Pero 'Blancanieves' sólo contiene referencias patriotas conservadoras y por eso, la única manera de entender su tonalidad gótica es por exclusiva estética formal. No hay razón por la cual la historia no pudiera contarse con formato a color, más allá de revivir una época dorada. Además, los títulos intermediarios se sitúan en escenas en donde las palabras son innecesarias, bastaba con las expresiones.

Hay escenas forzadas que resultan sensibleras y se confunden con el concepto de 'expresionismo'. La cinta termina por resultar vacía en contenido que logre ser sugerente, sin haber valores, ideas o conceptos más allá de lo que implica el orgullo de ser español: una oda a la religión católica, a los bailes andaluces y al supuesto arte que conlleva torear. La moraleja sobre la inocencia frente a la vanidad ya fue retratada con mejor claridad metafórica en el clásico de Disney, aquí veo renovación pero no reinvención. Y mucho menos me parece que esté a la altura de 'The Artist', la exaltación nacionalista prima y ciega demasiado, que queréis que os diga.

Casualmente la peor valorada de las tres Blancanieves es la más inteligente, cómica e innovadora. Un olé por Tarsem Singh. 

¡ATENCIÓN, SPOILER!

La madrastra se casa con el torero por su dinero pero no se entiende la razón de que el hombre siga viviendo como rehén de ésta. Vale que está inválido pero hay formas de escabullirse (cartas, sirvientes, un día de caza...).

La madrastra asesina a su marido, desaparece su hijastra y la peor de todas, se carga a su ayudante con una figura de piedra. Luego lo tira a la piscina para fingir que se ahogó. Me parece inverosímil que con tales actos la policía no consiga la más mínima pista para encerrarla entre rejas.

El enanito al que Carmencita salva la vida en la plaza de torear, siente un gran odio hacia ella. Se puede entender por la humillación a la que se ha tenido que someter, pero nunca hay evolución ni profundización en su ética. Aunque tampoco hay demasiada evolución en el resto de los personajes a decir verdad.

Lo imposible: es todo menos cine y española.

Ficha de Filmaffinity.

TÍTULO ORIGINAL	The Impossible
AÑO	Ver trailer externo 2012
DURACIÓN	Trailers/Vídeos 107 min.
PAÍS	Sección visual
DIRECTOR	Juan Antonio Bayona
GUIÓN	Sergio G. Sánchez
MÚSICA	Fernando Velázquez
FOTOGRAFÍA	Óscar Faura
REPARTO	Naomi Watts, Ewan McGregor, Tom Holland, Geraldine Chaplin, Oaklee Pendergast, Samuel Joslin, Dominic Power, Sönke Möhring, Olivia Jackson, Natalie Lorence, Nicola Harrison, Bruce Blain, Johan Sundberg, Teo Quintavalle, Jan Roland Sundberg, Marta Etura
PRODUCTORA	Apaches Entertainment / Telecinco Cinema / Mediaset España / Canal+ España / IVAC / ICAA
WEB OFICIAL	http://www.loimposible-lapelicula.com/
PREMIOS	2012: Oscars: Nominada a mejor actriz (Naomi Watts) 2012: Globos de Oro: nominada a mejor actriz drama (Naomi Watts) 2012: Premios Goya: 14 nominaciones, incluyendo Mejor película y director 2012: Critics Choice Awards: Nominada a mejor actriz (Watts) e intérprete joven (Holland) 2012: National Board of Review (NBR): Mejor actor revelación (Tom Holland) 2012: 6 Premios Gaudí, incluyendo mejor director, fotografía y mejor película europea
GÉNERO	Drama | Basado en hechos reales. Catástrofes. Familia. Supervivencia
SINOPSIS	Diciembre del año 2004. María (Naomi Watts), Henry (Ewan McGregor) y sus tres hijos pequeños vuelan desde Japón a Tailandia para pasar sus vacaciones de Navidad descansando en la playa. Una mañana, mientras se encuentran todos en la piscina del complejo a orillas del mar, un tremendo tsunami destroza el hotel al mismo tiempo que gran parte de la costa del sudeste asiático. Las vidas de millones de personas cambiaron para siempre. Esta es la historia de esta familia... (FILMAFFINITY)

MI CRÍTICA:

'Lo imposible' es todo un 'Made in Hollywood' en crisis, partiendo de lo técnico a los actores. Que no me la intenten colar de española porque podría ser una producción de Spielberg con sus 'clásicos' planos irrelevantes, una dirección conmocionalmente inmeritoria a la par que artificial y unos personajes sacados de anuncios marca Baby Sebamed o cualquiera sobre colonias para un perfecto cuidado de piel. Usar una catástrofe, mucho más cruda en la realidad, con el fin de hacer caja y encoronarse con multitud de premios es exhaustivo por la cantidad de veces que se repite año tras año. Reitero en 'conmocionalmente inmeritoria', las escenas del tsunami provocan escalofríos, agobio y alguna lagrimilla que se le puede escapar a uno, pero aún con el buen resultado del sonido, no tiene mérito propio porque no es sugerente; plasma algo real sin transcribrlo, cualquiera se conmocionaría por grabar a un perro con tres patas, el éxito está asegurado, es lo llamado 'lágrima fácil'. Grabar una crudeza de tan escabrosa magnitud en formato spielbergiano me rechincha bastante: demasiada hipocresía en los primeros planos de los protagonistas, los del mar tailandés, las estrellas que albergan esperanza de vida por su luz resplandeciente o en contra, la plasticidad con la que se frecuenta la agonía a través del atardecer con palmeras atrofiadas. Veo demasiado color en un día que es gris.

Las palmeras son flexibles y por eso resisten a todo tipo de fuerzas naturales, se suele decir. 'Lo imposible' está tiesa y se ahoga por su realismo infectado de planos demasiado 'perfectos' estéticamente, limitados, inmóviles y con un puñado de escenas edulcoradas, poco recomendables para diabéticos y cerebritos apasionales. Todo se centra en una familia de alta sociedad, tópicos añadidos; rubios, guapos, de ojos azules y sin escatimar en sus vidas. Se enseña un ejemplo de tantos sin ahondar en él y resultando plástico.

Bayona debería habérselas ingeniado y no haber cogido a una familia estilizada de rubios con algún rasguño entre sus piernas que no paran de llorar. Mocos aguados por toda la sala y mí no comprender.

¡ATENCIÓN, SPOILER!

La madre la tenía que haber palmado, pero la película quiere ser dramática y a su vez dejar un buen final para complacer más a la gente. Vamos, que la libertad, sugerencia y expresividad que conlleva el arte de contar se es renunciado por la taquilla. El dinero vuelve a interponerse ante el cine y sale victorioso.